Llegando a Phi Phi Island

Habíamos llegado a Tailandia como pocas veces llegamos a nuestros destinos de viaje, sin información previa sobre el país, sin saber nada de su historia o su cultura y con un cansancio que se puede tildar de abrumador. Abordamos un avión en Johannesburgo, Sudáfrica, que nos depositó dieciséis horas más tarde en el aeropuerto de Bangkok, y luego de resolver algunos asuntos burocráticos urgentes, nos encontramos con que teníamos que tomar una decisión sobre adonde dirigirnos o qué queríamos hacer. Esta ecuación poco feliz y acelerada fue la mayor responsable en la elección de Phi Phi Island como primer destino a visitar en Tailandia.

Cayendo en el lugar común

Aun cuando tenemos más que en claro que los destinos masivos de turismo poco tienen que ofrecer en términos de sorpresa e interés para el viajero, nos entregamos al imaginario de Leonardo Di Caprio y su archiconocido film “La playa” y nos lanzamos en busca del aroma a paraíso playero. Nos apoyamos de lleno en esa especie de ideario publicitario y en una creencia carente de fe, y nos dejamos llevar por ideas preconcebidas hacia un destino demasiado común, el cual no haría más que confirmar que a los lugares donde acude el turismo masivo, si uno está interesado en aprender algo del mundo, mejor no ir. Bienvenidos entonces a Phi Phi island y su particular forma de ser.

Aeropuerto de Bangkok

Cuando la cultura se esconde

Apenas pusimos un pie en este superlativo paraíso natural, y luego de viajar en tren, colectivo y barco por otra gran cantidad de horas, nos encontramos con esa incómoda e insatisfactoria sensación de que Phi Phi Island podía situarse en Brasil, en México o en Costa Rica, daba igual. Uno miraba para los costados y no veía un solo código ambiental que indicara lo contrario. Apenas atravesamos el muelle que nos separaba de la costa, se elevó ante nosotros una especie de laberinto comercial, del que luego nos dimos cuenta, sería sumamente difícil escapar.

Los negocios más cercanos a la playa eran atendidos por extranjeros, los bares parecían irlandeses, los carteles estaban escritos en inglés, español o chino y había un sinfín de referencias a solamente necesidades turísticas en general, las que se podrían resumir fácilmente en: comida, hoteles y fiestas que ofrecen algún tipo de exclusividad. Lo único que me hacía acordar que estaba en Tailandia eran una gran cantidad de mujeres y travestis que sin prisa, pero sin pausa, repetían como fonola averiada: “Thai massaaaage, Thai massaaaage”.

En algún momento, luego de encontrar un lugar para dejar los bolsos y descansar un poco los sentidos, volvimos con la mirada un poco más fresca sobre los cúmulos informativos. Así caímos en la cuenta de que todo era el doble de caro que en la parte continental, que no había forma de caminar más de un minuto sin que alguien ofreciera alguna actividad acuática; que si uno quería seguir caminando había que atravesar manadas de tarjeteros de fiestas nocturnas, y que por último y luego de todos estos incordios ambientales, seguíamos sin saber dónde era que vivían los Tais, dónde comían, dónde dormían o cuál era su actividad principal.

La desilusión acompañada de cierta frustración llegó cuando una vez logrado el objetivo, y ya casi con la nariz asomando dentro del pequeño pueblito Tai apodado “Ton Sai”, nos hicieron un gesto con la mana de que mejor diéramos media vuelta, como diciendo: “Acá no hay nada para ver chicos…”. Miré a los ojos al tipo que me intimaba y cuando estaba a punto de maldecirlo, respiré otra vez, lo entendí y nos retiramos.

Carteles en Phi Phi

Bar Irlandés

Noche de fuegos y piñatas

Luego de esta ciertamente impactante primera impresión diurna de la isla decidimos apostar todo a negro y esperar a la noche, para ver si era cierto que nos íbamos a meter adentro de un televisor y hacer un corto zapping hasta caer dentro de “Wild On Channel” para gritar “cartón lleno”. Fuegos y malabares a cargo de tailandeses, amurallados por el turismo más llano de todos, donde un desfile de “buckets” y botellitas de alcohol, se volvieron el programa dominante y la única apuesta de la noche. Lo más llamativo era que el cuadro se repetía sin alteraciones en toda la longitud de la playa. Un bar al lado de otro que parecía el mismo bar, inundado por exactamente la misma gente. Un hecho muy común, que por lo menos en mi percepción, nunca deja de resultar trágicamente llamativo.

Nos declaramos en rebeldía y apagamos la televisión, nos levantamos del sillón y nos fuimos a redescubrir la isla. Y así fue que empezamos a salir del estado de letargo que paradójicamente proponen los paraísos turísticos en general. Pusimos norte hacia cualquier lugar que se encontrara alejado de los eventos multitudinarios y volvimos lentamente a respirar.

Principalmente logramos entablar relación con algunos recolectores de basura, quienes pasan totalmente desapercibidos dentro de un pequeño barquito muy clandestino y poco iluminado, que trabaja en el muelle sólo en horas nocturnas. Entablamos charlas amenas y bastante divertidas con las señoras y señores que ofrecen los famosos “Thai Massage” y encontramos muchos musulmanes muy buena gente y muy amables que nos compartieron algunas historias de Tsunamis y demás.

Poco a poco, lentamente, empezamos a modificar nuestros estados de ánimos y logramos afirmar el paso para robarle a Phi Phi Island algún evento que valiera la pena ser contado.

Bar y bar con fuego y más fuego

Lo que no se puede negar

Y como la esperanza es lo último que se pierde, y como no existe aquello que sea tan malo como para que no dependa de nosotros mismos modificar, caminamos y caminamos la isla por todos sus rincones, para casi sin saberlo ir encontrando el camino que nos llevaría hacia la mística y la majestuosidad que proponen los encuentros. En este caso quien redimió la experiencia fue una persona llamada “Marianita”, un caso serio de humanidad y de belleza de espíritu.

Marianita posando para la foto

Marianita es de esas personas que al verlas parecen parte de la familia y que al hablar parece uno la conoce hace años. Con ella compartimos durante los últimos días, lo único que en Phi Phi Island es indiscutible, la belleza del paisaje y la espectacularidad de sus aguas. Sí, y debo decirlo, aunque sus costas estén llenas de botellas de cerveza de la noche anterior y aunque las embarcaciones que transitan alrededor hayan destruido casi la totalidad de su barrera coralina, Phi Phi Island es un paraíso natural prácticamente inigualable. Y si uno hace la excursión hacia Koh Phi Phi Leh, la isla donde se filmó “La playa”, uno se siente un Leonardo Di Caprio aunque mucho más clandestino.

Al final, y como reflejarán las imágenes y vídeos, fueron momentos mágicos de vida, que para disfrutarlos hubo que obligadamente teñir la realidad de cierta inconsciencia y desinterés, e inclusive “hacer la vista gorda” en muchísimos momentos; pero por otro lado, encuentros con personas como Marianita los redimen y de alguna manera también los vuelven inmaculados. Una suerte de filosofía de Yin y Yan, de como dice un gurú amigo, de cierto camino vivo y cierto camino muerto. Gracias por leer y hasta la próxima.

El paraíso perdido

El paraíso perdido II

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Pequeños hilos casi inapreciables, cejas teñidas para que desaparezcan o peor aún, cejas dibujadas. Horrores dignos de cadenas perpetuas contra el buen gusto. Desconozco qué puede motivar algo así. Dónde alguien puede encontrar lo atractivo de una ceja híper depilada. Menos mal que cada poco tiempo surge el efecto contrario y quienes amamos las cejas pobladas y marcadas de las mujeres podemos respirar. Unas cejas naturales, vamos. No de hilo delantal.

Lily Collins

Lily Collins no cambies. Que no la conviertan en una niña cuasi perfecta, en rubia oxigenada, que deje de tener esa fuerza en las cejas como ahora tiene junto a esos impresionantes ojos verdes. Al final es su rasgo físico distintivo.

Bambi Northwood Blyth

Una de las jóvenes modelos que en los últimos años han puesto de moda las cejas más pobladas y naturales. Bambi Northwood-Blyth es una australiana del 91 que ha conquistado a los diseñadores a las marcas y al público. Ahora sus cejas han pasado a ser lo que se lleva. Manda huevos.

Arizona Muse

Antes de que una joven Bambi recuperase la ternura de Disney Arizona Muse ya había defendido unas cejas sin artificios en una cara amplia a lo ancho pero más corta a lo largo, un efecto intensificado con su melena corta. Una belleza estadounidense para salirse de los tópicos.

Jessica Stam

Desde Canadá Jessica Stam nos conquistó con su melena rubia. Ella juega la carta de su dulce encanto. Esa cara de niña buena también tiene unas cejas que van por libre y que tanto gustan a la cámara.

Natalia Vodianova

Similar a Jessica Stam, Natalia Vodianova podría ser considerada una de las modelos más dulces de la última década. La modelo rusa ha jugado bien el papel de belleza delicada, su rostro y sus hermosos ojos claros azul celeste le han valido para ser una de las tops a nivel mundial.

Fotos | Harper’s Bazaar, The Fashion Spot, Oysho, Egoïste
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El pasado viernes día 9 se estrenaba por fin en nuestras pantallas, con bastante retraso con respecto a la cartelera norteamericana, ‘Pacific Rim’ la última espléndida locura salida de ese particular genio del séptimo arte que es Guillermo del Toro y una película con la que pasárselo bomba en el cine viendo a gigantescos robots más altos que la Estatua de la Libertad darse mamporrazos con monstruos que harían huir de miedo a cualquiera de las muchas versiones de Godzilla que hemos podido ver hasta ahora —sobre todo las entrañables primeras versiones niponas—. Y es por este motivo que dedico hoy mi espacio en esta bitácora a dar un repaso rápido por aquellas criaturas mecánicas que han estimulado la imaginación de los cinéfilos…desde que el cine es cine.

Y es que aunque muchos pensarán que el primer robot que pudimos ver en una gran pantalla —bueno, que pudieron ver nuestros bisabuelos o tatarabuelos— fue la falsa María que creaba aquél científico loco imaginado por Fritz Lang en ‘Metrópolis’ (id, 1927), remontándonos un poco más en el tiempo, a finales del s.XIX, ya encontramos la atracción que el ser humano ha sentido siempre por crear inteligencias artificiales que nos suplan y descarguen de nuestras pesadas tareas diarias.

Tras Lang, el cine de ciencia-ficción coqueteará constantemente con seres mecánicos, siendo particularmente recordados dos de los muchos que el género en su definición de serie B nos trajo en esa prolífica década de los años 50, en la que, junto a extraterrestres con aviesas intenciones que querían invadir nuestro planeta, conocimos al acompañante de Klaatu, ese ominoso robot llamado Gort que daba un ‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, Robert Wise, 1951) o al Robbie que, muy educadamente, servía los oscuros intereses del Dr.Morbius en esa versión de ‘La tempestad’ shakesperiana que fue la imprescindible ‘Planeta prohibido’ (‘Forbidden Planet’, Fred M.Wilcox, 1956).

Aun a riesgo de dejarme por medio alguna que otra incursión relevante —como la de los Daleks del ‘Dr.Who’ o el Astro Boy de Osamu Tezuka— si hubo una IA en los años sesenta que sirvió para alertar sobre los peligros de la tecnología, al tiempo que para otras muchas disertaciones mucho más filosófico-existencialistas, esa fue la HAL9000 de la magistral ’2001. Una odisea en el espacio’ (’2001, a Space Odissey’, 1968) con la que Stanley Kubrick dejó anonadados a nuestros padres y abuelos, demostrando que un inmutable ojo rojo podía llegar a ser tan terrorífico como la pesadilla más horrenda si, entre otras cosas, canturreaba ‘Daisy, Daisy’.

Marcada a fuego por el determinante carácter de HAL, la presencia de la robótica en la década de los setenta comenzó a analizar las repercusiones del desarrollo de una ciencia que ya comenzaba a dar sus frutos de cara a la inserción de las “máquinas” en los lugares de trabajo. Reflejo fiel de lo que la sociedad iba avanzando y con la eterna influencia de la literatura en los modos en los que se ha ido articulando a través del tiempo, el avance en la creación de inteligencias artificiales supuso la puesta en valor de las leyes de la robótica enunciadas por Isaac Asimov a principios de los años 40, unas leyes que irían dejando poco a poco su huella cinematográfica y que pueden intuirse en la frialdad de Yul Brynner como aquél vaquero imparable de ‘Almas de metal’ (‘Westworld’, Michael Crichton, 1973), en ese Ash que Ridley Scott introducía en la tripulación de la Nostromo infectada de cierto octavo pasajero o en las serviciales maneras de los C3-P0 y R2-D2 que George Lucas imaginaba en su saga galáctica.

Con la llegada de los ochenta, el interés por los organismos cibernéticos se disparó sobremanera por mano de ese puntal del género que fue ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982) que nos dejaba para el recuerdo la sobrecogedora interpretación de Rutger Hauer y aquél discurso que empieza con “He visto cosas que no creeríais…”. Notablemente influido por la obra de Scott, el cine posterior nos trajo, en todas sus vertientes presupuestarias posibles a inolvidables personajes como el T-800 interpretado por Arnold Schwarzenegger, el ‘D.A.R.Y.L’ al que ponía rostro el pequeño Barret Oliver, la versión mejorada de Ash que era el Bishop del regreso de los aliens o, cómo no, el ‘Robocop’ que Paul Verhoeven nos mostraba con toda brutalidad allá por 1988.

Marcados de nuevo de forma temprana por la presencia de James Cameron y sus dos terminators, los 90 no fueron unos años especialmente notables en lo que a autómatas respecta, y lo único destacable de aquellos años fue ese robot que quería tener forma humana que encarnó Robin Williams en la sosa ‘El hombre bicentenario’ (‘Bicentennial Man’, Ron Howard, 1999) —adaptación, por cierto, de un relato de Asimov—, la asimilativa raza de los Borg nacida en el formato televisivo de la mano de la nueva generación de ‘Star Trek’ o, por supuesto y por delante de todos, el ‘Gigante de hierro’ (‘Iron Giant’, Brad Bird, 1998) animado que quería ser Superman y que ganó para siempre nuestros corazones.

Y así llegamos a este s.XXI, una centuria de la que no han transcurrido ni tres lustros y en la que el cine, más preocupado de epatar que de lanzar discursos reflexivos a la chavalería que llena las salas —al menos en Estados Unidos—, ha optado por los espectáculos grandilocuentes con gigantescos robots que, o bien se transforman de la mano de Michael Bay y su horrorosa trilogía —bueno, tetralogía, que poco falta para la cuarta entrega— o bien homenajean a Mazinger Z o Evangelion en la citada ‘Pacific Rim’. Pero eso no significa que no haya lugar para vitales incursiones de androides a una escala más “humana” que sean fundamentales para entender la ciencia-ficción contemporánea. Y aquí la dudas son pocas a la hora de nombrar al entrañable Wall-E creado por Pixar y a ese niño llamado David que quiere reencontrarse con su madre con el que Spielberg rubricaba uno de los pináculos indiscutibles de su trayectoria, la magistral ‘Inteligencia artificial’.

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El arte del beatboxing ha cruzado una nueva frontera al conquistar nada más y nada menos que la Opera de Sidney. Tom Thum es el responsable de que los cientos de personas allí sentadas terminasen levantándose al final de su presentación. Una breve pero impresionante demostración de lo que es capaz con la única ayuda de un micrófono.

El beatbox consiste en recrear sonidos y ritmos con la única ayuda de la voz de uno mismo. Algo que empezó para acompañar las improvisaciones de los raperos y que ha terminado siendo un auténtico fenómeno que evoluciona día a día.

Tom Thum es uno de esos jóvenes con mucho talento y ganas de demostrarlo. Pese a su juventud, con la única ayuda de un micrófono se enfrenta a un auditorio repleto de un público exigente como es el de los TEDx. Su único arma es su voz, pero esto no es problema porque el pobre hombre parece que de pequeño se trago media orquesta. Capaz de viajar de india a china, pasando por las raves alemanas, al virtuoso de Thum solo le faltan unos Kaoss Pad para terminar su speech como un auténtico rey del jazz.

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Para pasar unas vacaciones diferentes, nada como visitar ciudades (póngase varias comillas) que no existen (más comillas por doquier) o no han sido reconocidas oficialmente, ya sea por su carácter eventual o porque se mantuvieron en secreto, como el refugio temporal que encontramos en Tent City, en Toronto, Canadá, en el que 300 personas sin hogar vivieron entre 1998 y 2002 en una suerte de enorme ciudad-carpa.

Otra ciudad que se crea ex profeso generalmente corresponde a algún festival de conciertos. Sin embargo, en Estados Unidos encontramos otra cosa más extravagante que difícilmente se puede describir en pocas palabras: el festival Burning Man. Cuando se celebra, se crea una especie de comunidad internacional temporal en Black Rock City, Nevada, donde más de 50.000 personas venidas de todos los rincones mantienen su propia infraestructura temporal, sus leyes y hasta sus líderes. La idea Burning Man es crear un espacio comunicatorio “artístico, absurdo de incomodidad, disfrute y sueño”

¿Os imagináis una ciudad de enfermos lejos del mundo? Es lo que ocurrió en la isla de Sorok, en Coreal del Sur, donde más de medio millón de leprosos mantuvieron su propio “dinero leproso” y una economía independiente.

En Chiapas, México, existen 38 municipios autónomos y zapatistas que operan fuera de la ley mexicana. Su población es desconocida. Y si queréis estar rodeados de contraculturales y antisistema, entonces nada como Mesa del Desierto, en Estados Unidos, una comunidad fuera de la ley compuesta por hippies, motero y otros transgresores regidos por sus propias reglas.

Con un punto un poco más funesto, los campos de refugiados de Buduburam, en Ghana, 42.000 personas viven en lo que ya se han convertido, de facto, en ciudades funcionales.

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Este trío británico ha cautivado este año en festivales como Sónar y el Día de la Música con un pop misterioso a caballo entre el clasicismo y la extrañeza. Cada nuevo lanzamiento suyo supone una pequeña (o no tanto) vuelta de campana en su estilo, y en su último álbum, News from Nowhere (Warp-PIAS Iberia & Latin America), juegan a ser unos Beach Boys del siglo XXI, que es como decir los próximos Animal Collective. Por el camino dejan preciosidades como “A Pay’s Day for a Day’s Work”, un probable himno de relojeros como “Timeaway” –escúchenla y entenderán por qué– y joyas conectadas con los mejores Animal Collective como “Amplified Ease” y “Armonica”. Hablamos con James Buttery, su cantante, sobre cambios, la influencia de la campiña inglesa y la dificultad de llevar su sonido al directo.

–Su carrera está marcada por los cambios constantes: se dieron a conocer con un single, Aidy’s Girl Is A Computer, de toques 2-step, pero cuando lanzaron el álbum North eran una banda synth-pop. Y en el reciente News from Nowhere suenan psicodélico-pastorales.

–Lo que hacemos es seguir nuestros instintos, sencillamente. Ser curiosos. Lo que nos mueve, lo que nos inspira, es explorar sonidos para poder crear algo que suene nuevo. Es fantástico que la gente nos escuche, sería una estupidez decir lo contrario, pero hacemos música sobre todo para nosotros. Sin pensar en lo que se espera de nuestro trabajo.

–Para preparar el último disco se mudaron de Londres a un pueblo en West Yorkshire, en el campo. ¿Cómo influyó el paisaje en la música?

–Muchísimo, sobre todo en cuanto al sonido. Los ruidos de la naturaleza están muy presentes en el álbum. También la vastedad de ese paisaje; todo su espacio. Estar alejados socialmente ayudó también a que nuestra música fuera más introspectiva. Habíamos pasado los diez últimos años sin movernos apenas de Londres; el cambio al espacio natural se filtró en cada surco.

–¿Qué escuchasteis mientras estábais allí? 

–Pues sobre todo música ambient, apenas música bailable o de clubs. Eso por mi parte. James [Young] escuchó bastante a grupos como Talking Heads y Tame Impala. Y Aiden, por último, estaba metido en compositores japoneses en ese momento. Tampoco sé si ninguna de esa música se filtró en exceso en nuestro propio disco. Como digo, el paisaje que nos rodeaba fue más importante.

–En News from Nowhere hay momentos de inesperado éxtasis, de felicidad suprema. Inesperado porque North era un disco realmente melancólico.

–Sabíamos que podíamos hacer música sombría, pero nos dijimos ¿y sabemos también hacer música alegre? Era un poco un desafío. Mirar cara a cara a la felicidad y saber apreciarla a nivel artístico. Al final conseguimos canciones que no creíamos tener dentro de nosotros.

–Mi canción favorita, no obstante, es bastante melancólica: “A Day’s Pay for a Day’s Work”, que tiene mucho de balada de Beach Boys.

–Sí, hay algo de “God Only Knows”, es cierto. Algunos sintes pueden recordar a los coros de la canción, quizá de hay viene la similitud. Es bastante similar, en realidad. ¿Nos preocupa? No demasiado. Ojalá fueran así todas las comparaciones.

–En “Amplified Ease”, la referencia clara parece Animal Collective.

–En esa canción y en otros puntos del disco, es cierto. Quizá no a nivel de arreglos o de humor, pero sí en cuanto al sonido, en la forma de procesar las voces y meterles tanto reverb. De nuevo, la comparación no nos molesta. Somos fans del grupo.

–¿Es difícil trasladar un disco tan trabajado, tan cargado de matices, al contexto del directo?

–Sí, vaya si lo es. En la producción hay mucha profundidad y capas. En realidad, es prácticamente imposible reproducir el sonido que aparece en el disco. Hemos mantenido muchos de los elementos, pero no todos; el sonido cambia un poco, aunque tampoco dramáticamente. Es todo más poderoso, directo y accesible. Esperamos que a la gente le guste. Creemos que funciona.

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Un cuadrilátero, el sonido de una campana, cuatro guantes buscando el contacto directo y un KO a veces condicionado por las apuestas. No lances ese derechazo demasiado pronto, la ganancia está en el tercer asalto. El boxeo tiene a partes iguales la brutalidad y la emoción indescifrable. Un boxeo que trae consigo una carga sexual tantas veces explotada al sustituir a sus rudos protagonistas por bellas mujeres, logrando esa mezcla de contextos tan buscada. Hay boxeadoras que tumbarían a Muhammad Ali sin subirse al ring.

Emily Ratajkowski

Emily Ratajkowski ha sido la más reciente en subirse a un ring. Está en su momento de explosión al ser “la chica del momento”. Olivia Malone sabe cómo fotografiarla para la noche del combate.

Hilary Swank

Clint Eastwood al frente de una película de boxeo. Poco se puede pedir más al menú. Sobre todo si también cambia el sexo del protagonista, siempre masculino, para darle el papel principal a la actriz Hilary Swank. ‘Million Dollar Baby‘ es el título.

Michelle Rodriguez

Michelle Rodriguez está acostumbrada a ir de tipa duras en sus distintos papeles cinematográficos. La antiprincesa debía tener su papel de boxeadora. Fue en ‘Girlfight‘. Su historial en las películas lleva a que los lectores se pregunten cosas tan fantásticas como ¿en cuántas películas ha sobrevivido?

Rebecca Neuenswander

Mientras que en el cine son habituales las películas sobre boxeadores masculinos, las boxeadoras femeninas siguen sin tener una base de títulos. Hay que escoger títulos como ‘Rigged‘ para quedarse con otro en la lista. Rebecca Neuenswander es quien se mete en la piel de una boxeadora de peleas fuera del ring. Un mojón en toda regla.

Sara Jean Underwood

En cambio si nos pasamos a las fotos la cosa cambia y las boxeadoras abundan. Por arte de magia. Casualidad. Sara Jean Underwood, una conocida modelo de Playboy, se metió en la piel de una boxeadora en apuros. Lo de menos era el sonido de la campana.

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Fotografía: apertura de la piscina de Inverness, Escocia, circa 1936

Teníamos seis años y poca capacidad de estar quietos. Es el primer día de colegio y lo único que hacemos es mirar alrededor con una mezcla de confusión y miedo que todavía hoy es difícil de explicar. Cuando un timbre estridente, que viene de ninguna parte y parece más propio de una fábrica que de una escuela, comienza a martillear, las madres sueltan las manos de sus hijos. Algunos empiezan a llorar. Un tipo rechoncho y con gafas, al que parece divertirle mucho toda la situación, agita con fuerza unas llaves en su mano y nos dice que hagamos fila de a uno. Ahí es cuando las cosas empezaron a ir mal.

Tengo veintiséis años y llevo encima varios paquetes de comida precocinada (con carne de caballo sabe mejor) y un par de botellas de vino. Hago cola tras una señora gorda que resopla pesadamente mientras revisa con la mirada el contenido de su carro por si se ha olvidado algo y un fulano con camiseta de tirantes azul que, a juzgar por su olor corporal, dejó de ducharse con el efecto 2000. Hacemos cola en silencio, en fila de a uno. La señora gorda empuja un poco su carro de vez en cuando, como el conductor que suelta y pisa embrague alternativamente todo el tiempo cuando está parado en un semáforo. El sonido de la caja registradora actúa como un resorte. La fila se mueve. La cajera evita cruzar la mirada con los clientes. Siete noventa y cinco. ¿Quiere comprar una bolsa?

Compruebo cuántos números separan mi ticket de la pantalla digital que cuelga del techo mientras hago cola. Me pregunto cuánto dinero gasta al año el Estado en aire acondicionado para edificios públicos. El único sitio en el que puede hacer más frío en verano que en un edificio de la administración es en una sala de multicines. Es muy difícil ser ácrata mientras se hace cola para recurrir una multa. En el fondo, para muchas personas estas largas filas de condenados a la burocracia son el verdadero éxito del sistema. En fila de a uno, esperando a llegar a la ventanilla, todos somos iguales. Somos ciudadanos que esperan en orden. Todos tenemos la misma importancia, es decir, ninguna.

Cruzamos la avenida agarrados de la cintura. A veces aprieto un poco su cuerpo contra mí para notarla más cerca. Me mira con cara de reprobación —me vas a arruinar el vestido, dice— pero luego sonríe. Me da una palmada en el culo como castigo. ¿No se supone que esto debería hacértelo yo a ti? Luego habrá tiempo para eso, responde. ¿Ves aquella gente de allí? Ahí es donde te digo. Un minuto más tarde estamos haciendo cola frente a un restaurante llamado T. Cuando alguien entra o sale emana desde dentro el murmullo de una multitud educada. La pareja de delante avanza un paso. El almidón de sus ropas cruje. Ya te lo dije, te va a encantar, me dice risueña. Aquí viene todo el mundo. Me asombra la fe de la mayoría en la inteligencia colectiva, especialmente después de comprobar cómo está el nivel medio de inteligencia individual. Pero la dictadura de la masa deja poco espacio a la duda. Somos dos privilegiados haciendo cola a las puertas de un sitio oscuro con luces azul eléctrico. Soy incapaz de imaginar cómo puede uno disfrutar de la comida en un ambiente así.

Algunos de los que hacen cola miran altivamente a los que cruzan. Yo hago cola aquí y tú no, parecen decir con tono de burla infantil. Este sitio es de ésos que describen como exclusivos, aunque no sé cómo de exclusivo puede ser si está completamente lleno de gente y hay que hacer fila para entrar. Recuerdo que una vez un amigo me dijo que a la gente, en el fondo y aunque que se queje, le gusta hacer cola. Es su manera de sentirse importantes, concluyó. Sospecho que tenía razón, aunque quizá a la afirmación le sobre el adjetivo y sea más bien la manera de sentirse. En nuestra adoración constante del individualismo, del consumo personalizado, del contenido on demand y los auriculares intra ear para mejor aislamiento del exterior, una cola es uno de los pocos momentos en que podemos enfrentarnos a la sencilla verdad de que no somos en realidad tan distintos. Que nuestra vida en sociedad se inauguró con nuestra primera fila de uno a pesar de que nacimos solos y moriremos solos. Iremos solos en el ataúd, qué duda cabe, o al menos eso espero yo. Pero detrás irá un grupo de personas, en fila de a uno o de a dos, como un séquito militar doliente y unido.

Por fin entramos al restaurante. Vamos tras el empleado que nos lleva hasta nuestra mesa. Con algo de suerte, su nuca será la última que tendré que mirar durante un rato. Dejo que la chica vaya delante. Una mezcla entre anticuado gesto de caballerosidad y ganas de mirarle el culo. Respiro aliviado al sentarnos en medio de la oscuridad y las luces azul eléctrico. No creas que me gusta mucho el sitio, le digo, pero me voy a alegrar de no tener que mirar más nucas en un rato. Consuélate, responde, empujando en mi dirección la carta que hay sobre la mesa. Si no te gusta, puedes añadir palmadas al castigo de después.

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Hace algo más de un mes que la tercera temporada de la archifamosa Juego de Tronos ha terminado. Tremenda ha sido la polvareda que ha levantado un final que yo de momento desconozco pues no sigo la serie y aún no he llegado al ecuador del tercer libro. Sin embargo, aunque no sea seguidor de la serie ni un fanático de las novelas (los comencé hace no demasiado tiempo), sí que entiendo y comprendo a los seguidores de la serie que se hayan quedado con cara de libro ante un final sorprendente (por lo que he oído) y abierto.

Quedan unos 9 meses para que la serie regrese y dé fin al tercer tomo de la saga, por lo que, supongo, los fans de la saga de George R.R. Martin tendréis que invertir vuestro tiempo en algo de provecho. Algunos os recomendarán que sigáis otra serie o que intentéis potenciar vuestra vida social (si sois demasiado freaks), pero yo, como ávido lector que soy, vengo a recomendaros otras series de literatura fantástica que lo petaron mucho antes que Juego de Tronos. Y no pretendo decir que sean mejores. Simplemente son otras y llegaron antes.

Elric de Melniboné de Michael Moorcock

Surgido de entre las páginas de Science Fantasy, una revista Pulp en el año 1961, se convirtió en el primer gran personaje de la literatura fantástica moderna, la cual viene a ser la versión actual de las novelas de caballería que hicieron perder la cabeza a un famoso hidalgo. Debido a la fama que el caballero albino acabaría adquiriendo daría el salto al terreno de la novela larga en el año 1973.

Ocho libros acabaría lanzando Michael Moorcock, su creador, con Elric como protagonista, adquiriendo una fama inesperada debido a su carácter de antihéroe, hallando su fuerza en pociones mágicas o en Stormbringer, una espada que parece emular las hazañas de Durandarte, la espada que en manos de Rolando fue capaz de romper una montaña. Sin embargo su espada no solo le dotaba de una fuerza extraordinaria, sino que Stormbringer se alimentaba de las almas de los enemigos abatidos por ella, almas que Elric podía utilizar para fortalecerse.

Sin embargo, la afilada hoja no actuaría solamente como arma a utilizar, sino que en ocasiones jugaría el papel de némesis de su propio poseedor al ser una espada con conciencia y maldad, llegando a tomar sus propias decisiones solamente con el interés de seguir alimentándose y fortaleciendo a ‘huesped’, sin importar las víctimas de sus dentelladas.

Como os contaba antes, tal fue la fama adquirida por Elric y su espada que acabaría dando el salto a un ámbito tan cómodo para la literatura fantástica como es el cómic o al mundo de los juegos de rol (con posterioridad). Aparte de esto, la envergadura del personaje permitió a su creador llegar a rivalizar nada más y nada menos que con J. R. Tolkien, cuando el sudafricano aún vivía, quedando patente sus enfrentamientos en ocasiones tan hilarantes como el texto ‘Epic Poo‘.

Crónicas de la Dragonlance de Margaret Weis y Tracy Hickman

Y si Elric de Melniboné acabó dando el salto al mundo de los juegos de rol, en este caso fue el juego de rol el que acabaría dando el salto al mundo de las novelas de fantasía épica. Aprovechando las largas jornadas de trabajo en su empresa para jugar de forma compulsiva a Dungeons & Dragons, Margaret Weis y Tracy Hickman dieron el paso con el que siempre ha soñado todo máster en un juego de rol: lograr que su aventura se acabe convirtiendo en un libro.

Sin embargo, en el caso de esta pareja de autores estadounidenses lo que en principio parecía una mera trilogía a la usanza del Señor de los Anillos o similares se acabó convirtiendo en una serie compuesta por más de 100 volúmenes en el cual desarrollarían uno de los mundos más apasionantes de toda la literatura fantástica, Dragonlance, el cual sería fundamental para el desarrollo de la segunda edad de oro del Dugeons & Dragons, siendo la primera trilogía, Crónicas de la Dragonlance, la puerta de entrada que muchos de mi generación usamos hacia este tipo de literatura.

Una prosa ágil y fácil de comprender para lectores jóvenes, una historia con un gran potencial capaz de atrapar al lector desde el primer instante gracias a una mitología creada a tal efecto y un aspecto coral (como plasmación de una partida de rol con muchos jugadores) en el que los personajes se desarrollarían de una forma coherente y rica permitiendo a cada tipo de lector sentirse identificado con cualquiera de ellos son solo tres de los múltiples aciertos que recoge esta serie.

El divertido aunque hirritante Taslehoff Burrfoot, el bonachón Caramón Majere, el existencial y heróico Tanis el semielfo o el inquietante y enigmático mago Raistlin son solo cuatro de los muchos personajes que protagonizan una serie sobre la que se ha especulado su traslación al celuloide en multitud de ocasiones solamente fructificando en forma de película de animación de bajo presupuesto solamente apta para los más fans.

Geralt de Rivia de Andrzej Sapkowski

Con la serie del polaco Sapkowski di mi primer paso en la fantasía épica adulta, al contener la misma un tono en cuanto a diálogos y contenidos similar al mostrado por Canción de Hielo y Fuego. A pesar de que en inicio el planteamiento de Geralt de Rivia pueda parecer un tanto ‘manido’, es el estilo, es el cómo en vez de el qué, lo que realmente hace digna de mención a esta colección junto a la inexistencia de héroes dispuestos a salvar el mundo.

Utilizando como referencias la mitología de Europa del Este y la vikinga y celta (como tantos otros), Sapkowski construye un coherente entorno desde el cual desarrolla una historia en el que la violencia y el sexo adquieren una importancia crucial tal y como sucede en la obra de George R. R. Martin, aunque el tratamiento de ambas sea un tanto distinto. Mientras que en la descripción de acciones violentas no existe el recreo y el acercamiento que sí hay en Canción de Hielo y Fuego, el sexo sí tiene tanta presencia aunque su tratamiento es un tanto ingenuo en comparación salvo en lo que respecta a las relaciones lésbicas por parte de uno de los personajes principales.

Sin embargo, la crudeza sí hace acto de presencia a la hora de relatar las consecuencias de una guerra que divide al mundo, mostrándose los dilemas morales a los que se enfrentan los personajes implicados aunque sin los giros y las intrigas políticas de la serie que todos ya conocemos.

Como os decía Geralt de Rivia no es el colmo de la originalidad, sin embargo posee un punto a su favor de cara al lector no iniciado, ya que el estilo, la prosa desarrollada por el autor se aleja de la sencillez y esquematismo de obras más cercanas al género juvenil como Crónicas de la Dragonlance o el Elfo Oscuro.

El Elfo Oscuro de R. A. Salvatore

Regresando de nuevo a Dungeons & Dragons nos encontramos con un protagonista atípico dentro de un género como la fantasía épica. Perteneciente al universo Reinos Olvidados, nacido tras la eclosión que supuso el universo Dragonlance, R. A. Salvatore diseñó un personaje que muy pronto lograría conectar con el público debido a su atrayente origen y características.

Perteneciente a una raza esencialmente maligna como son los Elfos Oscuros, Drizzt Do’Urden viviría de por libre ajeno a las costumbres de su raza combatiendo contra el mal presente en el mundo superficial huyendo del mundo subterráneo del que era originario. Sin embargo, tras su ‘domesticación’, su origen drow no estaría presente solamente en su aspecto, sino que en el momento de combatir ‘el cazador’ (su escondida parte malvada) le posee dándole la fortaleza física y habilidades que en apariencia perdió al abandonar su hogar.

Con una escala de valores acorde a lo encontrado en el mundo de la superficie, Drizzt rehuye el combate físico hasta que no queda otro remedio, ejerciendo en multitud de ocasiones como pacificador y mediador, hecho el cual le dotaría de un carácter heróico que permitiría que su fama se extendiese por la zona norte de la Costa de la Espada.

La serie ‘El Elfo Oscuro’ alcanzaría tal fama que acabaron dando un nombre a su autor R. A. Salvatore, quien posteriormente se haría conocido por otras series como la continuación El Valle del Viento Helado o la posterior Sombra Carmesí. Por su parte, Drizzt Do’Urden daría el salto al mundo del videojuego con dos apariciones estelares en las dos partes del famoso Baldur’s Gate. Sin embargo, no aparecería en la adaptación interactiva de Icewind Dale, sirviendo el universo de su segunda serie simplemente como entorno para el desarrollo de la acción.

Añoranzas y Pesares de Tad Williams

Y dejo para el final la que puede ser mi serie favorita del género, estando desde mi punto de vista por encima de las archifamosas obras de Tolkien y R. R. Martin. Teniendo un punto de partida, un desarrollo que puede llegar a recordarnos a Canción de Hielo y Fuego (el frío y unos seres sobrenaturales que provienen de él son claves), sin olvidar apareció 8 años antes, la magia y seres mitológicos adquieren una gran relevancia desde el primero de los 3 tomos que componen la obra, siendo estos dos factores fundamentales en el desarrollo de una historia de la cual es protagonista un personaje aparentemente insignificante en un principio.

Porque a pesar de todo se percibe una fuerte influencia del Señor de los Anillos en esta extensa epopeya, siendo fundamental el crecimiento en lo físico y en lo emocional de un protagonista conocido al principio como Simón Cabeza Hueca pero que posteriormente acabaría siendo el líder de un ejército que lucha por liberar a la humanidad del yugo al que la somete el Rey de la Tormenta. Madurando paso a paso, página a página, Simón se instituye en una especie de Frodo Bolsón, un héroe inesperado.

A diferencia de lo sucedido con las novelas basadas en el universo Dugeons & Dragons, el autor Tadd Williams plantea Añoranzas y pesares como una serie adulta por el estilo desarrollado demostrando una pericia novelística que solo había sido vista hasta el momento por Tolkien y Moorcock, y abriendo paso a la literatura épica adulta junto al autor de Geralt de Rivia y, por supuesto, George R. R. Martin.

También se percibe influencia del ciclo artúrico percibiéndose claras referencias a la leyenda de Excalibur, la importancia de la espada y del crecimiento de un joven insignificante que se acaba convirtiendo en héroe, o al Mago Merlín, jugando uno de los personajes un papel de mentor que recuerda claramente al del conocido mago.

Puede que la cargada prosa y las minuciosas descripciones y disquisiciones emocionales de Tadd Williams ahuyenten al lector acostumbrado a un planteamiento más fresco y ágil, pero todo amante de la literatura, sin importar el género concreto, debería disfrutar de una serie que se toma el tiempo oportuno para arrancar pero que cuando lo hace, te atrapa y no te suelta.

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En una lista de propuestas básicas para que una comedia acabe funcionando en la televisión no falta un rostro que acabe atrayendo las miradas gracias a su belleza. Las reinas de las comedias que logran convertir un papel de humor en un juego más picante dentro de un rol concreto. De camareras a mujeres casadas con ricos empresarios, de diseñadoras a aburridas oficinistas. Ellas no faltan en los principales éxitos y se convierten en parte clave de la serie.

Sofía Vergara en ‘Modern Family’

Si hay una actriz que ha logrado convertir un papel basado en el tópico más repetido en un gancho exitoso esa es Sofía Vergara. La arma letal latina ha saltado de ser una guapa y curvilínea modelo a ser la mujer de un rico hombre de negocios mayor en ‘Modern Family‘. Nada de la típica unión buscando la fortuna ajena en un segundo plano limitándose a sonreír. Sofía Vergara es una de las responsables de dicho éxito.

Kaley Cuoco en ‘The Big Bang Theory’

Una serie basada en cuatro científicos peculiares necesita un contrapeso femenino que aporte la tensión sexual no resuelta e incluso deje sin habla a uno de los cerebritos. Kaley Cuoco se ha encontrado con el éxito en ‘The Big Bang Theory‘ sin necesidad de tener ninguna habilidad especial a la hora de la interpretación.

Cobie Smulders en ‘How I Met Your Mother’

El martirio de Ted en ‘How I Met Your Mother‘ no solo lo sufren sus hijos, con una hija como Lyndsy Fonseca que le ha salido guerrera, sino también lo sufre el espectador y los amigos que le rodean. En especial Cobie Smulders quien interpreta a su amor platónico Robin Scherbatsky. Ella se lleva el papel atractivo de la serie logrando ganarse incluso a una Lily Aldrin (interpretada por Alyson Hannigan) habitual de este tipo de trama en la saga de ‘American Pie’ o a la sombra de Sarah Michelle Gellar en ‘Buffy, cazavampiros’.

Jenna Fischer en ‘The Office’

Hasta la serie más sosa y aburrida en el plano sexual tiene a su cara estrella de cara bonita para convertirse en la mujer deseada. En este caso por Jim Halpert en manos de John Krasinki quien logra conquistar a Pam Beesly, interpretada por Jenna Fischer, en ‘The Office‘. Dwight Schrute se queda con el papel de Míster Universo.

Jennifer Aniston en ‘Friends’

Aunque si hay una mujer que ha sabido rentabilizar este éxito del papel sexy esa ha sido Jennifer Aniston que ha convertido su carrera en ‘Friends’ en la carrera de la doble de Rachael Green. Papel tras papel la actriz estadounidense ha seguido reinterpretando a la reina de la comedia deseada por el público.

Fotos | Maxim, Maxim, Sofía Vergara, Esquire
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